Tecnofra

NOREDA GRAVES & RITA CICCARELLI in Deep Roots
2025-10-07 08:00 - 17:00 (Europe/Helsinki)
NOREDA GRAVES & RITA CICCARELLIin Deep Roots – Radici ProfondeTeatro Sannazaro – 6 Novembre 2025
Due voci, due culture, due anime unite dalla stessa origine: la musica come voce dell’anima. DEEP ROOTS – Radici profonde è molto più di un concerto: è un’esperienza emozionale e culturale che attraversa i confini geografici e musicali, intrecciando la passione vibrante della canzone classica napoletana con l’intensità lirica del gospel, del jazz e del soul afroamericano.
Protagoniste assolute della serata sono Rita Ciccarelli, raffinata e intensa interprete napoletana, e Noreda Graves, straordinaria voce afroamericana dal timbro profondo e dalla presenza magnetica. Il loro incontro sul palco rappresenta un ponte tra mondi apparentemente lontani, ma uniti da radici comuni: la musica come mezzo di espressione autentica, spirituale, universale.
Accompagnate da un ensemble di musicisti d’eccellenza, le due artiste offriranno al pubblico un repertorio che alterna brani iconici della tradizione partenopea – Torna a Surriento, Dicitencello vuje, ‘O sole mio – a classici internazionali come Summertime, At Last, Amazing Grace e His Eye is on the Sparrow, in arrangiamenti originali che fondono melodia mediterranea e groove afroamericano.
Lo spettacolo, curato nella direzione artistica e musicale nei minimi dettagli, si sviluppa come un vero e proprio dialogo sonoro, un abbraccio tra culture che hanno fatto della musica la propria lingua madre. Deep Roots è un inno alla diversità, alla spiritualità e alla forza della memoria collettiva.
NOREDA GRAVES & RITA CICCARELLI
in Deep Roots – Radici Profonde

Nikolay Khozyainov
2025-10-06 16:30 | teatro sannazaro
Nikolay Khozyainov
Giovedì 30 ottobre 2025
Teatro Sannazaro – ore 20.30
Nikolay Khozyainov, pianoforte
Musiche di Fryderyk Chopin e Robert Schumann

Morte accidentale di un anarchico
2025-09-26 20:45 - 22:45 | Teatro Bellini, Via Conte di Ruvo, 14, Napoli (NA), 80135, Italy
Nel 1921 un emigrante italiano «volò» fuori da una finestra del palazzo della polizia di New York: è questo l’episodio che ispirò “Morte accidentale di un anarchico”, una delle commedie più celebri di Dario Fo. L’azione comincia in una questura, dove il commissario Bertozzo si trova a fronteggiare un matto, capace di spacciarsi per più persone, motore e filo conduttore dell’intera vicenda. “La morte accidentale” a cui allude il titolo dell’opera è quella dell’anarchico Giuseppe Pinelli, precipitato da una finestra del quarto piano della questura di Milano nel 1969, in uno degli episodi più controversi della storia italiana del dopoguerra; dalla strage di Piazza Fontana, per cui Pinelli era indagato, ad alcuni dei terribili fatti che ne seguono, Dario Fo interroga con la sua opera non solo il caso giudiziario specifico, ma parte di un periodo storico ancora oggi difficile da decifrare e consegnare agli archivi.
NOTE DI REGIA
Siamo i figli del lavoro
che lottiamo per il pan
e i superbi eroi dell’oro
supplicammo ognora invan.
Ma ci siamo alfin levati
dal servaggio secolar
e a riscossa abbiam chiamati
gli operai dai campi al mar
Abbasso le frontiere!
Su in alto le bandiere,
salutiam l’umanità!
Sorgiam contr’ogni tirannia
e combattiamo la borghesia!
Pugnam, pugnam, pugnam
per l’Anarchia!
Così inizia l’inno anarchico italiano e così si chiude il primo tempo e si apre il secondo del testo del premio Nobel Dario Fo. Credo che tutta l’opera sia fortemente pervasa da uno spirito anarchico, un testo riscritto più volte in due anni e mezzo, che costò a Fo circa quaranta processi in ogni parte d’Italia, al punto tale che la maschera Fo arrivò a dire che la tournée dello spettacolo non poteva che essere scandita dai procedimenti giudiziari. È impossibile ricreare la spontaneità’ con cui Fo metteva in scena se stesso, sempre e solo se stesso, dando ai suoi spettacoli una forza unica e assolutamente irripetibile. La sua forza era una risata che riusciva a scardinare ogni argomento facendo diventare la risata stessa un atto rivoluzionario, dissacrante, ma soprattutto scandaloso. Fo non era mai altro da sé, il suo modo di stare in scena e recitare consisteva nell’abitare la scena come totale atto anarchico; nessun personaggio per nascondersi o da interpretare, ma un continuo tentativo di fare della non-interpretazione un fatto artistico persino pericoloso. Questa è l’eredità che ci lascia, difficile da emulare dato il nostro esser troppo borghesi e forse condizionati. Per me, questa regia è il tentativo di inseguire, e ricercare, il senso profondo di questa lezione di vita e di arte. Per fare questo è necessario che io stesso esca dai confini del conosciuto e provi ad entrare in nuovi territori, fatti anche da nuovi incontri come quello con il teatro Bellini e l’ attore Daniele Russo che assumerà il ruolo del Matto. Attraverso questa figura si aprono delle possibilità, il matto è sempre credibile perché resta sempre quello che è pur cambiando ruolo; il matto può destabilizzare e creare una folle e inaudita cascata di parole, ad una velocita tale che si fa fatica a stargli dietro, a seguirlo, quasi come se il testo di Fo fosse la rappresentazione verbale della caduta stessa. Le parole arrivano ad altezze vertiginose e alla fine l’equilibrio si perde e non si può che cadere, forse giù da quella maledetta finestra di quel maledetto palazzo milanese; si disse e si scrisse che si trattò, appunto, di una morte accidentale; stranamente le morti accadute così accidentalmente hanno più o meno sempre lo stesso copione, ed è questo che ci ricorda Dario Fo in questo testo scabrosamente realistico nonostante il gioco del teatro dell’assurdo. In uno dei verbali fu scritto che l’anarchico precipitò “velocissimo”; e come deve precipitare un uomo che cade dalla finestra? Si scrisse che l’anarchico gridò : “E’ la fine dell’ anarchia “, e si gettò. Ma Fo non vuole una fine, quanto capire la fine e lo fa con una ricerca spasmodica, quasi documentaristica, nonostante il mistero buffo del suo essere teatrante. Il commissario Calabresi fu ucciso, come sappiamo, e la verità stenta ancora a venire alla luce. Fo ci consegna una sua verità, quella del Matto, quella di chi se ne fotte della logica, delle convenzioni, della forma, andando a creare un testo multiforme e politicamente scorretto, un’opera cha fa dire al matto: “Gli anarchici sono molto conservatori/ è per questo che ammazzano i Re?/ Già, per imbalsamarli e conservarli per sempre”. Oppure”: Perdio siamo immersi nella merda fino al collo; ma è per questo che noi Italiani camminiamo a testa alta”.
Fo, con questo testo, parlava di scandalo; la sola cosa che vorrei riuscire a fare, graffiando con una risata da Joker, è quella di non dimenticare cosa e chi siamo stati. Provare a non cambiare la storia, ma tornare sul luogo del delitto non per attaccare coloro che non ci sono più, ma per comprendere e non ripetere gli stessi errori. Si può riuscire con una regia? Forse no, ma si deve provare.
Antonio Latella

Crediti:
Morte accidentale di un anarchico
di Dario Fo e Franca Rame
regia Antonio Latella
con Daniele Russo, Caterina Carpio, Francesco Manetti, Edoardo Sorgente, Emanuele Turetta
dramaturg Federico Bellini
scene Giuseppe Stellato
costumi Graziella Pepe
musiche e suono Franco Visioli
luci Simone De Angelis
movimenti Isacco Venturini
assistente alla regia Mariasilvia Greco
foto di scena Flavia Tartaglia
costumi realizzati presso il Laboratorio di Sartoria del PICCOLO TEATRO DI MILANO – TEATRO D’EUROPA
produzione Fondazione teatro di Napoli – Teatro Bellini

Un ballo in maschera
2025-10-05 17:00 - 20:00, 2025-10-04 20:00 - 23:00 | Teatro di San Carlo, Via San Carlo, 98/F, Napoli, Napoli, 80132, Italy
Un ballo in maschera
Melodramma in tre atti
Musica di Giuseppe Verdi
Libretto di Antonio Somma, tratto dal libretto Gustave III, ou Le Bal masqué di Eugène Scribe
Direttore | Pinchas Steinberg
Regia | Massimo Gasparon (da un’idea di Pierluigi Samaritani)
Scene e Costumi | Pierluigi Samaritani
Luci | Andrea Borelli
Coreografie | Roberto Maria Pizzuto
Interpreti
Riccardo | Piero Pretti (4, 8, 11) / Vincenzo Costanzo (5, 10)
Renato | Ludovic Tézier (4, 8, 11) / Ernesto Petti (5, 10)
Amelia | Anna Netrebko (4, 8, 11) / Valeria Sepe (5, 10)
Ulrica, indovina | Elizabeth DeShong♭
Oscar, paggio | Cassandre Berthon♭
Silvano, marinaio | Maurizio Bove #
Samuel, nemico del Conte | Romano Dal Zovo♭
Tom, nemico del Conte | Adriano Gramigni
Un Giudice / Un servo d’Amelia | Massimo Sirigu♮
Orchestra e Coro del Teatro di San Carlo
Maestro del Coro | Fabrizio Cassi

Produzione del Teatro Regio di Parma
♭ debutto al Teatro di San Carlo
♮ Coro del Teatro di San Carlo
# Accademia del Teatro di San Carlo
Teatro di San Carlo | CREMISI
sabato 4 ottobre 2025, ore 20:00 – A – CREMISI – XI
domenica 5 ottobre 2025, ore 17:00 – B – CREMISI – II
mercoledì 8 ottobre 2025, ore 20:00 – F – CREMISI – XI
venerdì 10 ottobre 2025, ore 20:00 – C/D – CREMISI – III
sabato 11 ottobre 2025, ore 20:00 – F. A. – CREMISI – XI
Opera in italiano con sovratitoli in italiano e inglese
Durata: 3 ore circa, con intervallo

Don Chisciotte della Mancia
2025-09-27 20:00 - 22:30 | Teatro di San Carlo, Via San Carlo, 98/F, Napoli, Napoli, 80132, Italy
Don Chisciotte della Mancia
Commedia per musica in tre atti
Musica di Giovanni Paisiello
Libretto di Giambattista Lorenzi, revisione dall’autografo a cura di Ivano Caiazza
Direttore | Ivano Caiazza
Interpreti
La Contessa | Tamar Otanadze#
La Duchessa | Chiara Polese
Don Platone | Maurizio Bove#
Il conte Don Galafrone | Francesco Domenico Doto#
Carmosina | Maria Knihnytska#
Cardolella | Costanza Cutaia##
Don Chisciotte | Tianxuefei Sun#
Sancio | Sebastià Serra#
Orchestra del Teatro di San Carlo
# Accademia del Teatro di San Carlo / ## ex allievo
# Accademia del Teatro di San Carlo
Teatro di San Carlo | BLU
sabato 27 settembre 2025, ore 20:00 – F.A. – BLU – VIII
Durata: 2 ore e 20 minuti circa, con intervallo
Esecuzione in forma di concerto

Tosca
2025-09-10 20:00 - 23:00 | Teatro di San Carlo, Via San Carlo, 98/F, Napoli, Napoli, 80132, Italy
Tosca
Melodramma in tre atti
Musica di Giacomo Puccini
Libretto di Giuseppe Giacosa e Luigi Illica, tratto dal dramma La Tosca di Victorien Sardou
Direttore | Dan Ettinger
Regia | Edoardo De Angelis
Scene | Mimmo Paladino
Costumi | Massimo Cantini Parrini
Luci | Cesare Accetta
Video | Alessandro Papa

Interpreti
Floria Tosca | Sondra Radvanovsky (10, 13) / Anna Pirozzi (16, 21) / Carmen Giannattasio (12, 14, 20, 23)
Mario Cavaradossi | Francesco Meli (10, 13, 16, 21) / Vittorio Grigolo (12, 14) / Yusif Eyvazov (20,23)
Il barone Scarpia | Luca Salsi (10, 13, 16, 21) / Claudio Sgura (12, 14, 20, 23)
Cesare Angelotti | Lorenzo Mazzucchelli
Il Sagrestano | Pietro Di Bianco
Spoletta | Francesco Domenico Doto #
Sciarrone | Vsevlovod Ishchenko ♮ (10,13,16, 21) / Giuseppe Todisco ♮ (12,14, 20, 23)
Un carceriere | Ville Lignell ♮ (10,13,16, 21) / Giuseppe Scarico ♮ (12,14, 20, 23)
Un pastore | da annunciare

Orchestra e Coro del Teatro di San Carlo
con la partecipazione del Coro di Voci Bianche del Teatro di San Carlo
Maestro del Coro | Fabrizio Cassi
Direttore del Coro di Voci Bianche | Stefania Rinaldi

Produzione del Teatro di San Carlo
♭ debutto al Teatro di San Carlo
♮ Coro del Teatro di San Carlo
# Accademia del Teatro di San Carlo

La Dama Spagnola e il Cavalier Romano
2025-09-13 20:00 - 21:00, 2025-09-12 20:00 - 21:00 | Teatro di Corte, Palazzo Reale - Piazza Plebiscito, 1, Napoli, Na, 80132, Italy
Festival Musica Barocca, Teatro di Corte di Palazzo Reale
La Dama Spagnola e il Cavalier Romano
Intermezzi in musica
Musiche | Alessandro Scarlatti
Testi | Nicolò Serino
Direttore | Enzo Amato
Regia | Barbara Napolitano
Coreografie | Nyko Piscopo
Aiuto regia | Andrea Russo
Costumi | Giusi Giustino
Luci | Nunzio Perrella
Assistenti ai costumi | Davide Manganella e Roberta Bevilacqua
con la collaborazione di Siria Bossone, Maria Cecio, Andrea Colicchio, Esther Dianor, Vincenzo Ferrara, Cristina Ferrazzano, Francesca Mariniello, Annika Ruggia, Gaia Sarntaro, Teresa Trocchia
Interpreti
Pericca | Anastasiia Sagaydak
Varrone | Antimo Dell’Olmo
con Antonio Apadula
e la partecipazione degli allievi della Scuola di Ballo del Teatro di San Carlo
Cristian Alfieri, Immacolata Cafiero, Salvatore Junior Riccio, Giada Varone
Orchestra da Camera di Napoli
Produzione del Teatro di San Carlo
Venerdì 12 settembre 2025 ore 20:00
Sabato 13 settembre 2025 ore 20:00
Teatro di Corte di Palazzo Reale
DURATA: 60’ SENZA INTERVALLO

CANI LUNARI
2025-09-08 21:00 - 23:00 | Fonderie Almagià, Via dell'Almagià, 50, Ravenna, 48121, Italy
Körper sta portando avanti la collaborazione con il coreografo Francesco Marilungo per la produzione del suo nuovo lavoro, Cani Lunari, che debutterà a settembre 2025 all’interno di IRA Platorm (progetto curato da IRA – Internatonal Institute for Performing Arts) a Soverato.
Dopo il successo di Stuporosa (Premio Ubu come miglior spettacolo di danza), Cani Lunari prosegue l’indagine sul mondo femminile, concentrandosi sulla magia e sulla figura della strega, come raccontata nella tradizione popolare italiana.
Nel 2024, Marilungo ha avviato un intenso processo di ricerca tra Barbagia, Appennini emiliani e marchigiani, e Isole Eolie, raccogliendo testimonianze dirette e avviando residenze creative con un castridotto. Nel 2025, la produzione è stata ripresa con il cast completo, composto da quattro danzatrici e una musicista-performer. La musicista Vera Di Lecce, già candidata al Premio Ubu per Stuporosa, sta sviluppando insieme a Marilungo formule magiche della tradizione popolare in versione elttronica.
Il progetto ha vinto il Premio CollaborAction del Network Anticorpi XL, che garantisce un sostegno economico, residenze artistiche e una tournée nazionale. Tuttavia, vista la complessità della produzione, sono necessarie ulteriori risorse per completare il lavoro.
CANI LUNARI
Coreografia e Regia Francesco Marilungo
Con Vera Di Lecce, Barbara Novati, Roberta Racis, Alice Raffaelli,
Francesca Linnea Ugolini
Costumi Lessico Familiare
Musica e Vocal Coaching Vera Di Lecce
Disegno Luci Gianni Staropoli
Foto e Video Luca Del Pia
Produzione Körper | Centro Nazionale di Produzione della Danza
Coproduzione SNAPORAZVEREIN, IRA Institute
Il progetto è stato realizzato con il contributo di ResiDance – luoghi e progetto di residenza per creazioni coreografiche azione del Network Rete Anticorpi XL: Centro di Residenza della Toscana (Fondazione Armunia Castiglioncello – CapoTrave/Kilowatt Sansepolcro), AMAT – Associazione Marchigiana per le Attività Teatrali, Consorzio PUGLIA CULTURE – Consorzio Regionale per le Arti e la Cultura in collaborazione con Associazione Menhir / festival LE DANZATRICI en plein air di Ruvo di Puglia e Ass. Cult. TEATRO MENZATI’/ TEX – Il Teatro dell’ExFadda di San Vito dei Normanni (Puglia).
con il sostegno di Cross Festival, Primavera dei Teatri Castrovillari
con il contributo di Marosi Festival, Teatro delle Moire
Nei mesi invernali quando la luna è piena o quasi, può capitare che la sua luce venga rifratta dai cristalli di ghiaccio presenti nelle alte nubi generando un alone circolare attorno al satellite con due bagliori simmetrici ai lati: i cani lunari.
Fenomeni atmosferici che la tradizione popolare leggeva come presagi di tempesta ma che erano anche segnali di passaggio, varchi visivi verso l’invisibile.
CANI LUNARI è un progetto coreografico che attraversa questi varchi e si immerge in un immaginario radicato nel femminile arcaico, nei saperi magici, nei corpi estatici.
Un’indagine sensibile attorno alla figura della strega, della guaritrice: non come residuo folklorico o stereotipo demonizzato, ma come emblema di un sapere marginale e potente, che resiste alle logiche dell’utile e del visibile.
Attraverso un processo di ricerca che unisce materiali d’archivio, testimonianze orali, iconografie folkloriche e pratiche corporee, CANI LUNARI costruisce un rito performativo in cui il corpo danza la trance, l’estasi, la metamorfosi.
Le performer con in mano corvi imbalsamati – anime fuoriuscite, animali guida, spiriti della soglia – compiono gesti sospesi tra rito e finzione, magia e gioco teatrale. Il movimento si nutre di frammentazioni, zoppie, gesti arcaici e improvvisi slittamenti verso l’animalità, evocando un mondo in cui il confine tra umano e ultra-umano è poroso e mobile.
Il corpo si muove “sopra acqua e sopra vento”, secondo formule antiche che ancora oggi risuonano in alcuni territori italiani, ai margini.
Nel cuore del progetto si annida anche una riflessione sul corpo isterico, luogo femminile di crisi ed enigma, storicamente associato alla figura della strega e allo stato di possessione.
Le fotografie ottocentesche della Salpêtrière diventano materiale simbolico da incarnare: corpi fuori controllo, attraversati dall’invisibile, che performano un sapere altro.
Il corpo della strega diventa organismo di passaggio tra dimensioni – come scriveva John Cotta, “non viaggiatrice tra mondi, ma luogo dell’incontro tra diverse sfere dell’essere”.
CANI LUNARI rievoca un sapere che è politico e sensoriale, un’epistemologia incarnata. L’anima, uccello o fiato, esce dalla bocca, vola, si stacca e poi ritorna nel corpo.
Come nelle confessioni estorte alle donne perseguitate – spesso visionarie, narratrici, guaritrici – il corpo diventa racconto, rito di guarigione, esercizio di sopravvivenza.
Il paesaggio sonoro, firmato da Vera Di Lecce, intreccia elettronica e suono naturale, canti orali e formule magiche, in una partitura sospesa tra il terrestre e il divino.
CANI LUNARI è un attraversamento, un sabba bianco, un rituale collettivo per re-incantare il mondo.

CANI LUNARI
2025-09-06 18:00 - 20:00 | ANFITEATRO DI SOVERATO, Via Risorgimento, 11,, Soverato (CZ), 88068, Italy

SQUILLA IL TELEFONO
2025-08-02 21:00 - 23:00 | Complesso Monumentale SS Trinita’ e Paradiso, Viale della Rimembranza, 1, VICO EQUENSE, Na, 80069, Italy
VINCENZO DE LUCIA

SQUILLA
IL TELEFONO

Autore: Vincenzo De Lucia, Vincenzo Comunale, Alfredo Le Boffe
Interpreti: Vincenzo De Lucia
Musiche e Arrangiamenti: Claudio Romano
Costumi: Dora Maione
Trucco: Vincenzo Cucchiara
Aiuto regia: Matteo Notaro, Alfredo Le Boffe
Organizzazione: Enza Felice
Segreteria di produzione: Federica Corino
Distribuzione: Nicola Canonico per la GoodMood

Sinossi:
Un rotocalco di musica e imitazioni. sue più celebri imitazioni conivolgendo continuamente lo spettatore in giochi e medley musicali. Senza perciò dimenticare una sua poco immaginata abilità: il regalare, a chi assiste, leggerezza e buonumore.

Oksana Lyniv
2025-07-31 20:30 - 22:00 | Via Carditello, 81050 San Tammaro (CE), Via Carditello, San Tammaro, (CE), 81050, Italy
Oksana Lyniv
Direttore | Oksana Lyniv♭
Programma
Ottorino Respighi, Gli uccelli, P. 154
Carl Maria von Weber, da Oberon, Ouverture
Ludwig Van Beethoven, Sinfonia n. 5 in do minore, Op. 67
Orchestra del Teatro di San Carlo
Real Sito di Carditello (San Tammaro CE) | Carditello Festival 2025
giovedì 31 luglio 2025, ore 20:30
Durata: 1 ora e 40 minuti circa, con intervallo

Finale di partita
2026-03-10 20:00 - 22:00 | Teatro Bellini, Via Conte di Ruvo, 14, Napoli (NA), 80135, Italy
Dal 13 novembre Al 30 novembre

Finale di partita

di Samuel Beckett, regia Gabriele Russo

La “zona d’interesse” teatrale più a rischio – e ancora oggi centrale – è sempre la stessa: la famiglia. Da Sofocle al teatro contemporaneo, attraverso i secoli, resta il luogo della frattura, della lotta, del non detto e del soffocamento. Un teorico (mio alter ego: Elvis Flanella) scrisse un breve saggio intitolato “LA FAMIGLIA: distruzioni per l’uso”.
Ecco, per affrontare un testo sacro come Finale di partita nel 2025, ripartirei proprio da lì. Cercherei di allontanarmi dai confini teorici più consueti del testo – quelli legati alla filosofia dell’Assurdo e all’immaginario distopico o post-atomico, tipici delle letture del secolo scorso – per calarlo in una dimensione più concreta, più prossima a noi.
Il cuore del dramma beckettiano resta lo stesso: una famiglia chiusa in un eterno gioco al massacro. Ma oggi, dopo il trauma collettivo della Pandemia, il senso di questa segregazione assume nuove sfumature. In quel periodo ci siamo trovati tutti, in un modo o nell’altro, di fronte alla precarietà dell’esistenza, all’incertezza del vivere e del convivere, alla fragilità dei legami interpersonali – e in modo ancora più devastante, di quelli familiari.
La paura del futuro ha finito per erodere il presente, rendendolo uniforme, anestetizzato. La comunicazione mediatica ha scandito e regolato le nostre giornate, riducendo la casa a un bunker esistenziale. E quella che qualcuno ha chiamato “la peste del 2000” ha lasciato dietro di sé piccole e grandi distruzioni – fratture su cui, oggi, possiamo iniziare a riflettere. A distanza di qualche anno, forse possiamo provare a farne buon uso.
La partita è sempre la stessa. Ma il finale non andrà cercato solo in processi filosofici o metafisici. Sarà il Dolore a parlare. E, con lui, le fratture e i cataclismi sociali e politici che il post-2020 ci ha lasciato in eredità.
Michele Di Mauro

Crediti:FINALE DI PARTITA
di Samuel Beckett
traduzione Carlo Frutteroregia Gabriele Russocon Michele Di Mauro, Alessio Piazza, Giuseppe Sartori, Anna Rita Vitoloscene Roberto Crea
disegno luci Roberto Crea e Giuseppe Di Lorenzoproduzione Fondazione Teatro di Napoli – Teatro Bellini, Teatro Biondo Palermo

Come gli uccelli
2025-02-10 20:45 - 21:45 | Teatro Bellini, Via Conte di Ruvo, 14, Napoli (NA), 80135, Italy
Dal 10 febbraio 2026 Al 15 febbraio 2026

Come gli uccelli

di Wajdi Mouawad, regia di Marco Lorenzi

Incontri straordinari.
«Ci sono testi teatrali e spettacoli con cui fai un pezzo di strada, passi del tempo insieme, diventano un viaggio di conoscenza per te e per chi percorre quella strada insieme a te, e poi, quando tutto è finito ci si lascia come è normale che sia. Poi, ci sono testi teatrali e spettacoli che sconvolgono tutto, come una bomba piazzata nel bel mezzo della tua vita d’artista. Incontri che ti segnano per sempre.
Come gli uccelli / Tous des oiseaux fa parte del secondo tipo di incontro.
Di recente a New York, io e Barbara, siamo entrati per caso in un negozio, ad Harlem. Parlando con il proprietario gli abbiamo chiesto perché avesse scelto come simbolo di quel negozio una tartaruga. Ci ha risposto: “Perché la tartaruga procede in avanti solo quando tira la testa fuori dal guscio”.
E lo porto nel cuore mentre mi addentro nella storia complessa e magnifica scritta da Wajdi Mouawad. Il grande teatro infatti ci sa stupire nel momento in cui decidiamo di “uscire di casa”, di andare verso l’Altro a costo di andare contro la nostra propria tribù – come direbbe Mouawad stesso.
E Tous des oiseaux è grande teatro. Il grande teatro che intreccia la grande Storia con quelle più piccole e intime che appartengono alla nostra vita e ai nostri desideri, che dilata il tempo mentre ci perdiamo in un rito potente e emozionante che parla non solo di noi, ma dei grandi movimenti della Storia stessa. Che ci tocca profondamente l’anima mentre urla con prepotenza le sue domande politiche e umane. Che non ci lascia indifferenti di fronte all’amore e alla crudeltà dell’essere umano.Tous des oiseaux è grande teatro, forse il miglior tipo di teatro, perché sa giocare con la forma, con i linguaggi, portarli alle estreme conseguenze del virtuosismo senza però perdere mai il contatto con quel bisogno ancestrale che il teatro porta scritto nel suo codice genetico: farci emozionare.
A questo punto diventa una grande sfida portarlo in scena. E farsi “veicolo” di tutto questo. Ma penso che da sempre faccia parte del mio percorso e del Mulino di Amleto ricercare instancabilmente di spostare i confini del teatro qualche metro più in avanti rispetto a dove pensiamo che siano. Mouawad ci ha regalato una materia densa e infuocata, perfetta per farlo.
Parola. Tempo. Emozione.
Come gli uccelli è stata l’occasione per costruire un cast unico, che mescolasse attori italiani ad attori provenienti da altri paesi, origini e biografie, con un’eterogeneità linguistica e culturale che durante il processo di creazione dello spettacolo potesse riprodurre quel percorso di “incontro”, quell’andare verso l’Altro che – come per Mouawad così per il Mulino – è una ragione di vita e di poetica.
Ho chiesto a questo incredibile cast di interpreti (e a me stesso) di lasciare alle spalle quello che sappiamo sul teatro per andare alla ricerca di un significato più sottile delle parole che usiamo, delle relazioni che costruiamo, dell’ascolto che porgiamo all’altro. Ho chiesto loro di entrare in uno spettacolo che, per tre ore, si reggerà interamente sulle loro spalle, sulla loro forza, sul loro grande talento. Ho chiesto loro di immergersi in un viaggio di conoscenza non scontato e di imparare a recitare in altre lingue oltre alla propria, con l’aiuto di esperti linguistici e culturali. Come gli uccelli risuonerà infatti di una molteplicità linguistica per cui, oltre all’italiano, gli attori reciteranno in ebraico, tedesco, arabo.
Anche la scelta della durata dello spettacolo è conseguenza inevitabile dell’epica costruzione del testo di Mouawad. La sua capacità di costruire una saga familiare che si snoda per tre continenti, tre generazioni, diversi luoghi e momenti storici, ci porta a fare i conti con il tempo. Il tempo passato che non è passato perché continua a lasciare profonde tracce che influenzano il nostro presente, che continua a ripetersi in un paradosso quantico per cui passato, presente e futuro si sommano e sovrappongono non lasciandoci apparentemente mai liberi nelle nostre scelte… La durata dello spettacolo diventa uno strumento per entrare in un respiro narrativo emotivamente fortissimo, melodrammatico, coerentemente incoerente, che progressivamente innalza la tensione drammatica a mano a mano che ci avviciniamo alla verità. E che non abbandona mai lo spettatore.
Allo stesso tempo, il racconto, la parola detta, raccontata, sono per Mouawad uno strumento di forza e di guarigione. Grazie alla forza della narrazione disseppelliamo la verità nascosta nel passato, accompagniamo i morti fino all’ultimo passo, guariamo le ferite dei vivi, ci riscopriamo umani e uniti
nella vulnerabilità che ci accomuna. Per questo (penso) Mouawad ama costruire storie. Storie in cui perderci per poi ritrovarci dopo un viaggio lungo e commovente.
Alla ricerca di una visione politica e umana.
Come cittadino e come artista del XXI secolo credo che continuare a ragionare secondo sistemi e visioni superati e fallimentari, sia l’unico errore da non fare. Continuare a ragionare secondo categorie identitarie auto-riferite e continuare a creare un teatro (un’Arte), borghese, che – per quanto sia d’avanguardia – rimane sempre arte identitaria e espressione di una visione parziale, non abbia più senso nel capitalismo globale dove non esiste più la possibilità di “rimanere esterni”, di far finta di nulla, dove i “muri” non hanno più senso e dove solo i “ponti” sono una possibilità di futuro. È solo quando si inizia a percepire come propri anche i conflitti e i problemi del mondo che consideriamo distanti, che, entriamo in un flusso davvero globale di consapevolezza, di comprensione e di reale cambiamento. Allora elaboriamo un punto di vista complesso e ricco per la nostra arte e permettiamo alla realtà di ferirci, di attraversarci, per pensare un teatro che possa continuare a parlare con il mondo che ci circonda, con una realtà complessa, multilingue, conflittuale.
Scegliere di affrontare una sfida come Come gli uccelli / Tous des oiseaux è chiederci cosa c’è dall’altra parte di quel muro, immaginario o concreto, che giganteggia anche nello spazio scenico dello spettacolo? Con il Mulino di Amleto approfondisco da tempo un percorso di ricerca e di creazione che nasce da questa inquieta e plurale visione del mondo: la ricerca dell’Altro, l’apertura umana e filosofica, sono stati i presupposti costitutivi dei lavori più recenti del nostro gruppo. Questa instancabile passione verso l’Altro ora fa un ulteriore passo avanti. Con Come gli uccelli si traduce in una internazionalizzazione dei collaboratori artistici, in una pluralità di linguaggio, in un pensiero plurale sin dal momento della nascita del processo di creazione e della progettazione. D’altronde – citando Milo Rau – “il teatro non è un prodotto, ma un processo di produzione”. E allora la nostra idea è di permettere a questo processo (e a tutti gli artisti e collaboratori) di farsi specchio di un’idea di teatro contemporaneo in relazione con le trasformazioni economiche e culturali che stiamo vivendo (o subendo?). Essere il primo step di una compagnia internazionale di professionisti, uno spettacolo multilingue, una visione naturalmente orientata oltre i confini nazionali, gli interrogativi che ci animano la scelta di un testo così potente e toccante, scomodo e lacerante, rendono questo progetto anche una dichiarazione politica. D’altronde una grande sfida drammaturgica è una sfida linguistica e, in quanto tale, è una sfida politica!
Il coraggio delle scelte
In Germania, nel 2019, prima che la pandemia portasse alla chiusura delle sale teatrali, Tous des oiseaux era già stato messo in scena in 16 grandi teatri. In Francia è stato un vero e proprio “caso”. Il testo vanta già numerose traduzioni e messinscene in tutta Europa. E in Italia? Questo progetto – non solo idealmente, ma nelle scelte formali e concrete che lo accompagnano – dichiara e rafforza la vocazione al dialogo con il teatro europeo che anima il Mulino di Amleto e il mio percorso di regista. Dopo Festen, Kollaps, Platonov, Affabulazione, Senza Famiglia, Ruy Blas, ci poniamo ancora una volta come pionieri di titoli e autori.
Come gli uccelli, è anche un modo per mettere in discussione una idea di “repertorio” che nel nostro paese sta diventando progressivamente sempre più stitico e conservativo. Abbiamo bisogno di idee nuove, di grandi testi che raccontino queste idee, e di spettacoli rischiosi che le condividano con il pubblico. Ma abbiamo soprattutto bisogno di una cosa: coraggio. Il coraggio di fare scelte scomode, incerte, non consolatorie, affondare le menti e i cuori in meravigliosi testi che vengono scritti da grandi autrici e grandi autori vivi e contemporanei. Saranno i classici del futuro».

Crediti:

COME GLI UCCELLI
di Wajdi Mouawad
traduzione di Monica Capuani
del testo originale Tous des oiseaux
adattamento di Lorenzo De Iacovo e Marco Lorenzi
regia di Marco Lorenzi
personaggi/Interpreti
Federico Palumeri Eitan
Lucrezia Forni Wahida
Barbara Mazzi Eden / Leah giovane
Irene Ivaldi Leah
Rebecca Rossetti Norah / Infermiera
Aleksandar Cvjetković Etgar
Elio D’Alessandro David / Cameriere
Said Esserairi Al Wazzân
Raffaele Musella Etgar giovane / Rabbino / Medico
assistente alla regia Lorenzo De Iacovo
dramaturg Monica Capuani
consulente storico Natalie Zemon Davis
scenografia e costumi Gregorio Zurla
disegno luci Umberto Camponeschi
disegno sonoro Massimiliano Bressan
vocal coach e composizioni originali Elio D’Alessandro
esecuzione al pianoforte de La marcia del tempo e Valzer per chi non crede nella magia Gianluca Angelillo
video Full of Beans – Edoardo Palma & Emanuele Gaetano Forte
consulente lingua ebraica Sarah Kaminski
consulente lingua tedesca Elisabeth Eberl
foto di scena Giuseppe Distefano
un progetto de Il Mulino di Amleto
spettacolo prodotto con il sostegno di A.M.A. Factory, Elsinor Centro di Produzione Teatrale, Emilia Romagna Teatro ERT / Teatro Nazionale, Teatro Nazionale di Genova, TPE – Teatro Piemonte Europa In collaborazione con Festival delle Colline Torinesi
con il sostegno di Bando ART-WAVES Produzioni 2022 e 2023 della Fondazione Compagnia di San Paolo
