Tecnofra

Il Berretto A Sonagli
2026-03-18 21:00 (Europe/Helsinki) | Teatro Mercadante, Piazza Municipio, Napoli, Na, 80133, Italy
IL BERRETTO A SONAGLI

di Luigi Pirandello, regia Andrea Baracco

Pirandello non è autore per tempi di pace, ma di guerra. È il tempo di guerra a creare le condizioni effettuali per comprendere l’autore siciliano; il dissolversi del principio di identità, la tragica disintegrazione dell’io, il gioco di specchi intorno alle molteplici individualità dell’essere umano. In tempi di guerra se la realtà chiama, Pirandello sa cosa rispondere; intravede la feroce e grottesca maschera di un mondo convulso e impazzito. I tempi di pace sono i tempi degli ismi, della ricerca affannosa di una filosofia e allora sotto con “essere è apparire” o “conflitto tra vita e forma” con il pirandellismo insomma; quell’insopportabile pozzo del pensiero che sembra mettere in pausa il teatro, la concretezza degli accadimenti per passare altrove, in un generico luogo, astratto. Inchiodare in una formula un autore è sempre molto pericoloso, con Pirandello è quasi mortale. Sentire il bisogno di chiarire più che di capire ha chiuso l’autore dentro una formula lucida e perentoria, non permettendo ai suoi personaggi di far esplodere quello che hanno di più potente, le passioni. Solo liberandolo dalle preoccupazioni filosofiche, Pirandello mostra il suo volto autentico. Si vede solo allora come i grandi protagonisti della drammaturgia pirandelliana siano uomini costretti a frugarsi dentro e non lucidi pensatori al dettaglio. Proprio per questo, credo necessario lasciarsi guidare dalle parole di Leonardo Sciascia: “Bisogna liberare Pirandello da tutte le incrostazioni filosofiche e pseudofilosofiche, da tutte le etichette concettuali, in una parola del pirandellismo. Restituire all’opera pirandelliana quella verità e libertà, quella effervescenza fantastica, che oggettivamente possiede”.
Cinque anni dopo aver scritto la novella La Verità, Pirandello la trasforma nei due atti de Il berretto a sonagli, la cui versione siciliana confezionata per Angelo Musco debutta nel 1917 al Teatro Nazionale di Roma.
In una delle lettere indirizzate a Musco che metteva in dubbio le qualità della commedia e del suo protagonista, Ciampa, Pirandello dice di come questo sia un personaggio “strapieno di tragica umanità, non vivo ma arcivivo” e parla del testo in questione come di un’opera “nata e non fatta”; sottolineando con forza di come qualora negli interpreti mancasse l’anima si ritroverebbero in bocca “l’imbroglio di discorsi lunghi, incisi, da portare alla fine senza sapere come! Bisogna leggere non le parole ma l’azione parlata, perché è sempre tale il mio dialogo, non fatto mai di parole, ma di mosse d’anima”. Ecco, è lo stesso Pirandello che si smarca con fermezza dal pirandellismo, da quel ragionatore impenitente, che sembra sempre avere il pensiero troppo saldo e talmente ragionato da non poter mai porsi nel luogo della contraddizione, dell’imprevisto, dell’umano insomma.
L’umiltà dell’uomo Ciampa giganteggia, il ridicolo lo infanga; è come se una lama inesorabile gli spaccasse sempre più profondamente il petto, per mostrare il suo cuore e allora si difende con parole vive e umanamente strazianti. Comincia il suo percorso con una semplicità che gli consente di avere aspetti comici, di una comicità ironica con cui si prende ferocemente gioco dell’ottusità degli altri, per poi precipitare, nella sua umiliazione da vinto, in una sorta di esaltazione lirica che fa transitare continuamente lo spettatore dal riso all’angoscia.
Andrea Baracco

Changing The Sheets. Amore fresco, ogni settimana.
2026-03-13 19:00 | Ridotto del Teatro Mercadante, Piazza Municipio, Napoli, Na, 80133, Italy
CHANGING THE SHEETS. Amore fresco, ogni settimana.

di Harry Butler, regia di Vincenzo Nemolato

Changing the Sheets è un testo dell’autore irlandese Harry Butler, che ha debuttato con successo al Fringe Festival di Edimburgo nel 2022. Lo spettacolo racconta la storia di due giovani che si incontrano su un’app di incontri e vivono quattro fine settimana di passione e conflitti emotivi.
Attraverso dialoghi serrati e momenti di intimità, la pièce esplora le difficoltà relazionali della generazione contemporanea, condizionata dalla comunicazione digitale e da un bisogno costante di connessione che non trova mai pieno appagamento.
Changing the sheets ci offre la possibilità di riflettere sulla capacità di relazione dell’uomo contemporaneo, su quanto essa sia influenzata dai nuovi sistemi di comunicazione e su quanto la stessa società, che ci vuole iperconnessi e sempre performanti, ci condiziona in maniera negativa nella ricerca di una relazione affettiva stabile. I due protagonisti diventano così specchio di una generazione che fatica a comunicare davvero, intrappolata in una continua oscillazione tra desiderio di intimità e paura del coinvolgimento.
L’adattamento italiano, curato da Francesco Ferrara e diretto da Vincenzo Nemolato, mantiene l’ironia e l’intensità del testo originale, arricchendolo di riferimenti culturali italiani e di una messa in scena che esalta l’umorismo e il ritmo serrato dei dialoghi. La rappresentazione si sviluppa come una giostra emotiva e comica, alternando momenti di intimità e confronto a scene esilaranti, dove la fragilità dei personaggi diventa fonte di ironia e leggerezza. Tra battute taglienti, malintesi comici e slanci romantici, lo spettacolo diverte e coinvolge, senza mai perdere la sua riflessione critica sulle relazioni moderne.
Changing the Sheets è pensato per un pubblico dinamico e moderno, soprattutto per giovani adulti alla ricerca di spettacoli che sfidano le convenzioni e affrontano temi contemporanei. Lo spettacolo offre un’esperienza coinvolgente e divertente, in cui la comicità e la leggerezza dei dialoghi si intrecciano con riflessioni più profonde sulle relazioni e sull’amore. Attraverso battute taglienti e situazioni esilaranti, gli spettatori sono invitati a esplorare le proprie idee sulla relazione e sull’amore in un mondo sempre più liquido e complesso, che è disposto ad accantonare l’altro e i suoi bisogni con la stessa frequenza con la quale si cambiano le lenzuola, per avere qualcosa di fresco, ogni settimana, che inevitabilmente ci stancherà presto.

Lucia di Lammermoor
2026-03-24 20:00 - 23:00 | Teatro di San Carlo, Via San Carlo, 98/F, Napoli, Napoli, 80132, Italy
Lucia di Lammermoor
Dramma tragico in tre atti
Libretto di Salvatore Cammarano
Musica di Gaetano Donizetti
Première al Teatro San Carlo di Napoli, 26 Settembre 1835.
Direttore | Francesco Lanzillotta
Regia | Gianni Amelio
Scene | Nicola Rubertelli
Costumi | Maurizio Millenotti
Luci | Pasquale Mari
Coreografia | da annunciare
Interpreti
Enrico | Mattia Olivieri
Lucia | Rosa Feola
Edgardo | René Barbera
Arturo | Sun Tianxuefei#
Raimondo | Alexander Köpeczi
Alisa | Sayumi Kaneko #
Normanno | Francesco Domenico Doto #
Orchestra, Coro e Balletto del Teatro di San Carlo
Maestro del Coro | Fabrizio Cassi
Direttore del Balletto | Clotilde Vayer
Produzione Teatro di San Carlo
# Ex allievo Accademia del Teatro di San Carlo
Teatro di San Carlo | CREMISI
mercoledì 11 marzo 2026, ore 20:00 – A – CREMISI – II
domenica 15 marzo 2026, ore 17:00 – F – CREMISI – II
mercoledì 18 marzo 2026, ore 19:00 – B CREMISI – III
sabato 21 marzo 2026, ore 20:00 – F.A. – CREMISI – II
martedì 24 marzo 2026, ore 20:00 – C/D – CREMISI – III
Opera in italiano con sovratitoli in italiano e inglese
Durata: 3 ore circa, con intervallo

Autoritratto
2026-03-25 21:00 | Teatro San Ferdinando, Piazza Eduardo De Filippo, 20, Napoli, Na, 80133, Italy
AUTORITRATTO

di e con Davide Enia

Davide Enia racconta di non avere alcun ricordo del 23 maggio 1992, giorno della strage di Capaci. Un vuoto che attribuisce a una rimozione emotiva profonda, segno di una nevrosi diffusa in Sicilia nel rapporto con Cosa Nostra. La mafia, prima delle stragi, è stata spesso minimizzata o mitizzata, mai affrontata davvero. Questo ha portato a una sua introiezione inconscia nella vita quotidiana, familiare, nei comportamenti e nel linguaggio, dove l’omertà si radica nella cultura (“‘a megghiu parola è chìdda ca ‘un si dice”).
La mafia diventa uno specchio deformante della società, e comprenderla richiede un processo di autoanalisi: non capire solo “la mafia in sé”, ma “la mafia in me”. Enia racconta di aver vissuto a stretto contatto con le vittime della mafia: Borsellino era suo vicino, Puglisi il suo professore. Ogni palermitano ha pochi gradi di separazione dalla mafia e vive con una costante sensazione di pericolo.
Lo spettacolo affronta poi il caso del piccolo Giuseppe Di Matteo, rapito, torturato e sciolto nell’acido: un evento che rappresenta l’orrore puro e la perdita dell’innocenza. L’opera è una tragedia, un’orazione civile, un atto di autoanalisi e confronto con lo Stato e con Dio. Un autoritratto intimo e collettivo.

Note di regia
Io non ho nessun ricordo del 23 maggio 1992. Non ricordo dove fossi, con chi, quando e dove ho appreso la notizia della bomba in autostrada che ha ucciso il giudice Giovanni Falcone, sua moglie e alcuni agenti della scorta. I miei parenti, i miei amici, i miei compagni, tutte le persone che conosco hanno un chiaro ricordo di quel giorno. Io ho un vuoto che non si riempie. Le mie difese emotive hanno operato una rimozione tanto profonda quanto dolorosa. Ma non è la rimozione una degli effetti della nevrosi? In Sicilia praticamente tutti abbiamo avuto, almeno fino alle stragi, un rapporto di pura nevrosi con Cosa Nostra. È un discorso che ha a che fare con la coscienza collettiva condivisa, con la pratica del quotidiano, con strutture di pensiero millenarie. Per diverse ragioni, da noi la mafia è stata minimizzata, sottostimata, banalizzata, rimossa o, al contrario, mitizzata. Ovvero: non è mai stata affrontata per quello che è. E, a questo sfocamento dell’oggetto da studiare, è corrisposta una inconscia introiezione di quelle identiche modalità di comportamento, stesse pratiche, simili scatti emotivi. Per uno sguardo che indugia su un particolare, a Palermo può partire un aggàddo, una rissa. Il padre che impone al figlio l’iscrizione a una data facoltà universitaria moltiplica la logica del patriarca cui si deve obbedire. La difficoltà di nominazione del desiderio e la conseguente consegna alla dittatura del silenzio rende la logica del Potere pronta ad aggredire e a imporsi con maggiore facilità. Questo è quindi uno dei problemi che abbiamo con Cosa Nostra: in una maniera dolorosa e sconcertante, a volte la mafia rappresenta uno specchio della nostra vita familiare, dei nostri processi decisionali e operativi, del nostro modo di osservare il mondo e intendere le relazioni, del nostro rapporto con la religione. Sono tutte operazioni che scavano a livello inconscio, e che proprio nella comune base linguistica creano le prime cicatrici emotive. In una culla culturale in cui «’a megghiu parola è chìdda ca ‘un si dice”», la miglior parola è quella non detta, che si configura come prima soglia dell’omertà, affrontare per davvero Cosa Nostra significa iniziare un processo di autoanalisi. Non volere quindi capire in assoluto la mafia in sé, quanto cercare di comprendere la mafia in me. Questo assunto configura così una necessaria intelaiatura biografica nella costruzione del testo. A Palermo tutti quanti abbiamo pochissimi gradi di separazione con Cosa Nostra. Il primo morto ammazzato l’ho visto a otto anni, tornando a casa da scuola. Conoscevo il giudice Borsellino, abitava di fronte casa nostra, sono cresciuto giocando a calcio con suo figlio. E padre Pino Puglisi, il sacerdote ucciso dalla mafia, era il mio professore di religione al liceo. Come me, i miei amici, i miei compagni, i miei concittadini, tutti quanti abbiamo toccato con mano la mafia. Tutti possediamo una costellazione del lutto in cui le stelle sono persone ammazzate da Cosa Nostra.
Ecco una costante dei palermitani: sentirsi ovunque costantemente in pericolo. La nevrosi è inscritta nel nostro orizzonte degli eventi.
Lo spettacolo poi prenderà in esame un caso particolare, un vero e proprio spartiacque nella coscienza collettiva: il rapimento e l’omicidio di Giuseppe di Matteo, il bambino figlio di un collaboratore di giustizia, rapito, tenuto per 778 giorni in prigionia in condizioni spaventose e infine ucciso per strangolamento per poi venire sciolto nell’acido. Una storia disumana che si configura come l’apparizione del male, il sacro nella sua declinazione di tenebra. Siamo in presenza dell’orrore, di una ferocia smisurata, di una linea di azioni così abiette da essere impossibile ogni aggettivazione. E su tutto vibra il sacrificio di una vittima innocente. La verticalità della vicenda ha in sé tutti i requisiti della tragedia, soprattutto nella formulazione di domande che non possono avere risposte. Gli strumenti linguistici a disposizione per affrontare questo lavoro sono quelli che il vocabolario teatrale ha costruito nella mia Palermo: il corpo, il canto, il dialetto, il pupo, la recitazione, il cunto. È dentro questo linguaggio circoscritto che questo problema linguistico va affrontato, sviscerato, interrogato, risolto.
Questo nuovo lavoro è una tragedia, una orazione civile, un processo di autoanalisi personale e condiviso, un confronto con lo Stato, una serie di domande a Dio in persona.
Per questo, questo lavoro è un autoritratto al contempo intimo e collettivo.
Davide Enia

Aigul Akhmetshina
2026-04-07 19:00 - 20:30 | Teatro di San Carlo, Via San Carlo, 98/F, Napoli, Napoli, 80132, Italy
Aigul Akhmetshina
Mezzosoprano | Aigul Akhmetshina
Pianoforte | Jonathan Papp
Programma
Gioachino Rossini, da L’italiana in Algeri, “Cruda Sorte”
Gaetano Donizetti, da La Favorita, “Oh, Mio Fernando”
Alexander Porfiryevich Borodin, da Prince Igor, Aria di Konchakovna
⁠Nikolaj Rimskij-Korsakov, da La Sposa dello Zar, Scena di Lubasha
⁠Camille Saint-Saëns, da Samson et Dalila, “Mon coeur s’ouvre à ta voix”
Jules Massenet, da Werther, “Va! Laisse couler mes larmes”
Georges Bizet, da Carmen
“L’amour est un oiseau rebelle (Habanera)”
“Près des remparts de Séville (Seguidilla)”
Gioachino Rossini, “Beltà crudele”
Giuseppe Verdi, “La Seduzione”
Milij Alekseevič Balakirev, “Lo amavo”
Nikolaj Rimskij-Korsakov, “Affascinato dalla Rosa (L’usignolo)”
Carlos Guastavino, “La Rosa y el Sauce”
Elena Roussanova, “Mujer Fatal” 1° esecuzione mondiale, composta appositamente per la cantante.
Carlos Gardel, “El Dia Que me quieras”
Benjamin Britten, “Tell me the truth about love”
⁠George Gershwin, “The man I love”
Kurt Weill, “Speak Low”
Teatro di San Carlo | BLU
martedì 7 aprile 2026, ore 19:00 – S/P – BLU – VIII
Durata: 1 ora e 30 minuti circa, con intervallo

La Bohème
2026-04-08 20:00 - 22:45, 2026-04-09 19:00 - 21:45, 2026-04-10 20:00 - 22:45, 2026-04-11 20:00 - 22:45, 2026-04-12 17:00 - 19:45 | Teatro di San Carlo, Via San Carlo, 98/F, Napoli, Napoli, 80132, Italy
La Bohème
Opera in quattro quadri
Libretto di Giuseppe Giacosa e Luigi Illica
Musica di Giacomo Puccini
Direttore | Dan Ettinger
Regia | Bárbara Lluch ♭
Scene | Alfons Flores
Costumi | Clara Peluffo Valentini
Luci | Urs Schönebaum
Video | Mar Flores Flo
Coreografia | Mercè Grané
Interpreti
Mimi | Pretty Yende (8, 10, 12) / Elsa Dreisig (9,11,14)
Rodolfo | Kang Wang (8, 10, 12) / René Barbera (9,11,14)
Musetta | Marina Monzó (8, 10, 12) / Maria Knihnytska # (9,11,14)
Marcello | Artur Rucinski (8, 10, 12) / Liam James Karai (9,11,14)
Schaunard | Alessio Arduini
Colline | Gianluca Buratto
Benôit / Alcindoro | Matteo Peirone
Parpignol | Ivan Lualdi ♮
Sergente dei Doganieri | Ciro Giordano Orsini ♮
Un doganiere | Giuseppe Todisco ♮
Un venditore ambulante | Mario Rosario Thomas ♮
Orchestra, Coro e Coro di Voci Bianche del Teatro di San Carlo
Maestro del Coro | Fabrizio Cassi
Maestro del Coro di Voci Bianche | Stefania Rinaldi
♭ debutto al Teatro di San Carlo
♮ Coro del Teatro di San Carlo
# Ex allievo Accademia del Teatro di San Carlo
Teatro di San Carlo | CREMISI
mercoledì 8 aprile 2026, ore 20:00 – A – CREMISI – II
giovedì 9 aprile 2026, ore 19:00 – B – CREMISI – III
venerdì 10 aprile 2026, ore 20:00 – C/D – CREMISI – III
sabato 11 aprile 2026, ore 20:00 – F.A. – CREMISI – II
domenica 12 aprile 2026, ore 17:00 – F – CREMISI – II
martedì 14 aprile 2026, ore 20:00 – F.A. – CREMISI – III
Opera in italiano con sovratitoli in italiano e inglese
Durata: 2 ore e 40 minuti circa, con intervallo

Il Misantropo
2026-04-08 21:00 | Teatro Mercadante, Piazza Municipio, Napoli, Na, 80133, Italy
IL MISANTROPO

di Molière, regia Andrée Ruth Shammah

Andrée Shammah torna a Molière con Il misantropo, “una storia d’amore, un amore-possesso, una nevrosi. Un tema moderno come non mai.” Un’edizione fresca dell’opera, un lavoro a sei mani tra Andrée Ruth Shammah, Luca Micheletti e Valerio Magrelli, incentrato sull’elogio semantico della parola e della sua musicalità. Protagonista è Fausto Cabra: un Alceste, qui in costume, scuro, al centro di un mondo popolato da personaggi vestiti nella stessa foggia ma in colori pastello diversi tra loro, a simboleggiare una società variegata nella forma ma omologata nella sostanza. Accanto a lui una straordinaria compagnia. In scena c’è la “disperata vitalità” di un uomo solo davanti al potere, solo davanti ai benpensanti. L’uomo folle che è deriso dalla società, ma in realtà è l’unico capace di cogliere la follia di chi lo circonda. Vorrebbe isolarsi nei suoi ideali ma la sua amata non è disposta a seguirlo. È la commedia dell’impossibilità di esprimersi liberamente quando si è preda delle passioni. Un dramma comico e umanissimo, commovente e feroce, sull’incomunicabilità e sul corto circuito terribile e risibile che genera.

Il Numero Esatto
2026-04-09 21:00 | Ridotto del Teatro Mercadante, Piazza Municipio, Napoli, Na, 80133, Italy
IL NUMERO ESATTO

di Fabio Pisano, regia Martina Badiluzzi

I fatti di cronaca che hanno ispirato la scrittura de Il numero esatto sono la questione da cui cominciare. La storia in sé si presta alla più becera moralizzazione, in campo ci sono argomenti spinosi per la nostra opinione pubblica. La gestazione per altri, la maternità surrogata, l’utero in affitto sono modi per parlare della stessa cosa e quando si parla “dei bambini” è facile cadere nella tentazione di avere un’opinione semplicistica. La genitorialità soprattutto quando riguarda una donna è questione pubblica più che privata. Questa drammaturgia riflette, in maniera cruda e delicata insieme, su cosa significhi per una donna essere centro del dibattito pubblico in quanto madre e le conseguenze estreme di questo senso del dovere. Cos’è una madre? Chi è una madre? Perché essere madre mentre il mondo brucia? Mentre il mondo brucia e la solita guerra dei confini umilia le vite delle persone c’è una figlia, la protagonista di questa storia, che con estrema lucidità cerca e poi trova se stessa in tutte le madri che hanno intersecato la sua crescita per diventare adulta. È così liberatorio il personaggio di Alice, è bello immaginare una protagonista che non pretende ma ascolta, che non giudica ma capisce, che evolve naturalmente verso un’analisi limpida del suo mondo, che sceglie l’amore o forse, ancora meglio, l’affetto un sentimento così radicale da spazzare le opinioni degli altri.

Lo Sposalizio
2026-04-10 00:00 - 2026-04-19 00:00 | teatro sannazaro
Lo Sposalizio

di Raffaele VivianiRegia di Lara SansoneProduzione: Tradizione e Turismo – Centro di Produzione Teatrale / Teatro Sannazaro
A quarant’anni dal suo storico debutto al Teatro Sannazaro, Lo Sposalizio di Raffaele Viviani torna in scena con una nuova regia firmata da Lara Sansone, in un allestimento che rende omaggio non solo al grande autore stabiese, ma anche alla memoria di Luisa Conte, fondatrice e anima del teatro partenopeo, nel centenario della sua nascita.
Il testo, tra i più intensi e rappresentativi di Viviani, racconta con tagliente lucidità e profonda umanità le contraddizioni della società napoletana, alternando momenti di amara ironia a squarci di autentica poesia popolare. Una Napoli viva, dolente, disperata e insieme orgogliosa, in bilico tra fatalismo e dignità, prende corpo attraverso personaggi indimenticabili e situazioni che, pur radicate nel passato, risuonano ancora oggi con sorprendente attualità.
La regia di Lara Sansone, figlia d’arte e continuatrice della tradizione teatrale familiare, costruisce uno spettacolo che è insieme un atto d’amore per la città e un ponte tra generazioni. Dopo il successo di Festa di Montevergine, torna a confrontarsi con il repertorio vivianeo, valorizzando le radici popolari ma con uno sguardo contemporaneo e originale. Il cast, composto da un nutrito gruppo di attori e attrici del territorio, restituisce con forza corale tutta la verità e la ricchezza del linguaggio scenico di Viviani.
Lo Sposalizio non è solo uno spettacolo: è un rito collettivo, un tuffo nella memoria teatrale di Napoli, un omaggio appassionato a chi ha fatto della scena una missione culturale e civile.
